http://arte.observatorio.info/2008/03/la-piedad-miguel-angel-buonarroti-1498-1499
http://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_del_Vaticano
http://www.mundoviajero.net/b/galeria-de-la-academia-esclavos-de-miguel-angel/
http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=11858
http://aprendersociales.blogspot.com/2007/02/el-david-de-miguel-ngel.html
http://es.wikipedia.org/wiki/David_(escultura_de_Miguel_%C3%81ngel)
lunes, 12 de marzo de 2012
sábado, 3 de marzo de 2012
La Piedad
La Piedad del Vaticano es una escultura realizada en mármol por el escultor Miguel Ángel Buenarroti entre 1498 y 1499. Se trata de una escultura que mide aproximadamente 1.70 x 1.95 cm y que está situada en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
Se trata de una obra de bulto redondo, lo que quiere decir que se puede admirar desde todos los ángulos, pero es preferente observarla de frente, ya que es la parte más detallada y más bella de la escultura.
La imagen representada es la de una virgen de aspecto muy joven y guapa que sostiene entre sus brazos a su hijo muerto que, curiosamente tiene un aspecto más viejo y deteriorado que la propia madre. Pero esto es intencionadamente, ya que se pretende dar la imagen del ideal de belleza y juventud renacentista, que fue uno de los ideales de Miguel Ángel durante toda su vida y que mostró a lo largo de todas sus obras.
La obra fue un encargo a Miguel Ángel de parte del cardenal de San Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas, al que este conoció en Roma. Este encargo tuvo una recompensa de 450 ducados de oro e incluía la condición de estar acabada en menos de un año, cosa que se cumplió con dos días de sobra, pero el cardenal había muerto para entonces. Por esto, se situó a La Piedad sobre su tumba en la Capilla de Santa Petronila. En 1749 se transladó a su actual ubicación, ya citada anteriormente.
En esta escultura predomina la armonía de contraste:
- Los ejes del cuerpo de Jesús se contraponen a los pliegues del vestido de la Virgen, que son curvilíneos y angulados.
- El brazo derecho de Jesús cae totalmente muerto, y al contrario, el brazo izquierdo de la virgen está lleno de vida.
- Los pliegues de la virgen con oquedades, se forman claroscuros, y, esto se contrapone a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús.
En 1972, la escultura sufrió graves daños cuando un hombre, llamado Laszlo Toth, la golpeó con un martillo varias veces. Se inició una restauración rápidamente en la cual se intentaron utilizar la mayoría de los fragmentos. Desde entonces, la Piedad está protegida por un cristal muy resistente para evitar este tipo de incidentes.
Detalles de La Piedad
- A la hora de elegir el material, Miguel Ángel eligió un solo bloque de mármol para tallar la escultura, ya que esta no estaba compuesta por la unión de varios, lo que complica la tarea.
- La técnica utilizada por Miguel Ángel era muy curiosa, ya que el pensaba que la propia naturaleza de la escultura se encontraba en el interior del bloque de marmol, por lo que solo la sacaba a la luz, cargado de paciencia y detallismo.
- La maravillosa armonía existente entre ambas figuras, que ya he comentado antes.
- Las características de la virgen, que, como ya he mencionado anteriormente, son las de una joven muy bella, haciendo honor a los ideales de belleza y juventud del renacimiento, dejando a un lado la idea de hacer algo realista.
- La técnica del sfumatto, que se aprecia a la hora de representar los músculos, que aparecen como difuminados en el mármol.
- En ningún momento se deja ver rastro del dolor, ni heridas ni sangre tras la muerte del hijo de Dios. Una vez mas se deja a un lado el realismo para mostrarnos a Jesus con dignidad.
Se trata de una obra de bulto redondo, lo que quiere decir que se puede admirar desde todos los ángulos, pero es preferente observarla de frente, ya que es la parte más detallada y más bella de la escultura.
La imagen representada es la de una virgen de aspecto muy joven y guapa que sostiene entre sus brazos a su hijo muerto que, curiosamente tiene un aspecto más viejo y deteriorado que la propia madre. Pero esto es intencionadamente, ya que se pretende dar la imagen del ideal de belleza y juventud renacentista, que fue uno de los ideales de Miguel Ángel durante toda su vida y que mostró a lo largo de todas sus obras.
La obra fue un encargo a Miguel Ángel de parte del cardenal de San Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas, al que este conoció en Roma. Este encargo tuvo una recompensa de 450 ducados de oro e incluía la condición de estar acabada en menos de un año, cosa que se cumplió con dos días de sobra, pero el cardenal había muerto para entonces. Por esto, se situó a La Piedad sobre su tumba en la Capilla de Santa Petronila. En 1749 se transladó a su actual ubicación, ya citada anteriormente.
En esta escultura predomina la armonía de contraste:
- Los ejes del cuerpo de Jesús se contraponen a los pliegues del vestido de la Virgen, que son curvilíneos y angulados.
- El brazo derecho de Jesús cae totalmente muerto, y al contrario, el brazo izquierdo de la virgen está lleno de vida.
- Los pliegues de la virgen con oquedades, se forman claroscuros, y, esto se contrapone a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús.
En 1972, la escultura sufrió graves daños cuando un hombre, llamado Laszlo Toth, la golpeó con un martillo varias veces. Se inició una restauración rápidamente en la cual se intentaron utilizar la mayoría de los fragmentos. Desde entonces, la Piedad está protegida por un cristal muy resistente para evitar este tipo de incidentes.
Detalles de La Piedad
- A la hora de elegir el material, Miguel Ángel eligió un solo bloque de mármol para tallar la escultura, ya que esta no estaba compuesta por la unión de varios, lo que complica la tarea.
- La técnica utilizada por Miguel Ángel era muy curiosa, ya que el pensaba que la propia naturaleza de la escultura se encontraba en el interior del bloque de marmol, por lo que solo la sacaba a la luz, cargado de paciencia y detallismo.
- La maravillosa armonía existente entre ambas figuras, que ya he comentado antes.
- Las características de la virgen, que, como ya he mencionado anteriormente, son las de una joven muy bella, haciendo honor a los ideales de belleza y juventud del renacimiento, dejando a un lado la idea de hacer algo realista.
- La técnica del sfumatto, que se aprecia a la hora de representar los músculos, que aparecen como difuminados en el mármol.
- En ningún momento se deja ver rastro del dolor, ni heridas ni sangre tras la muerte del hijo de Dios. Una vez mas se deja a un lado el realismo para mostrarnos a Jesus con dignidad.
Los esclavos de la galeria de la academia.
Los esclavos de Miguel Ángel, fueron esculturas talladas en roca que se dejaron inacabadas. En principio, era un proyecto para complementar la tumba de Julio II. Estaba previsto la realización de 6 esclavos, pero solo 2 fueron acabados, los cuales hoy se encuentran en el museo del Louvre. Los otros 4, que no quedaron terminados, se sitúan actualmente en la galeria de los cautivos, en la galeria de la academia de Florencia.
Estas figuras eran representación de la vida y sus ataduras.
Los esclavos son los siguientes:
-El esclavo despertándose: Esta puede considerarse como la más impresionante de las 4. Con más de dos metros y medio de altura, parece surgir por completo de la roca que está sin trabajar, ya que solo sobresale uno de sus costados. Los rasgos de la cara se dejan entrever, pero no están tallados con detalles, y la pierna y el brazo derechos sobresalen hacia delante de la roca.
Con esta estatua, a pesar de estar inacabada se puede apreciar la tensión y el dinamismo que caracterizan una figura repleta de expresión.
-Atlas: Este debe su nombre a la piedra que parece sujetar en su cabeza, que hubiera sido parte de esta en caso de haber sido concluido. Para poder soportar el peso, las piernas están un poco abiertas y sus fuertes brazos están doblados. Así, Atlas es, posiblemente, el esclavo que lucha por abandonar la piedra luchando con más fuerza, representando así una mayor energía de esfuerzo.
-El esclavo barbudo: Es la figura más acabada de las cuatro. Su rostro se ve cubierto por una densa y rizada barba, por lo que se deduce de donde proviene el nombre, y sus muslos se ciñen con una tela. Este esclavo tiene un busto que muestra un ejemplar modelado, y sobre el cual se aprecian los rasgos de su poderosa anatomía. Además, tiene una pequeña fractura en la barriga, que actualmente es de origen desconocido.
-El joven esclavo: Este se representa con las rodillas levemente flexionadas, a través del cual percibimos cansancio al caminar. Su brazo izquierdo se levanta por encima del hombro mientras que el derecho se desliza hacia abajo por la cadera. Estea escultura, que también parece querer escapar del bloque de mármol que no está acabado y que presenta diferentes grados de terminado. Por ejemplo, la cabeza apenas está tallada, el pecho se define mejor en el lado izquierdo que en el derecho e incluso hay en partes en las cuales se aprecian las marcas de los instrumentos con los que Miguel Ángel realizó la obra.
Todas estas esculturas son un claro ejemplo de la técnica de Miguel Ángel "non finito" en la cual las formas, que no están ejecutadas perfectamente, alcanzan de igual modo una maestría de alto grado, haciendo percibir al espectador que las esculturas desean abandonar la piedra para convertirse en puro arte.
Estas figuras eran representación de la vida y sus ataduras.
Los esclavos son los siguientes:
-El esclavo despertándose: Esta puede considerarse como la más impresionante de las 4. Con más de dos metros y medio de altura, parece surgir por completo de la roca que está sin trabajar, ya que solo sobresale uno de sus costados. Los rasgos de la cara se dejan entrever, pero no están tallados con detalles, y la pierna y el brazo derechos sobresalen hacia delante de la roca.
Con esta estatua, a pesar de estar inacabada se puede apreciar la tensión y el dinamismo que caracterizan una figura repleta de expresión.
-Atlas: Este debe su nombre a la piedra que parece sujetar en su cabeza, que hubiera sido parte de esta en caso de haber sido concluido. Para poder soportar el peso, las piernas están un poco abiertas y sus fuertes brazos están doblados. Así, Atlas es, posiblemente, el esclavo que lucha por abandonar la piedra luchando con más fuerza, representando así una mayor energía de esfuerzo.
-El esclavo barbudo: Es la figura más acabada de las cuatro. Su rostro se ve cubierto por una densa y rizada barba, por lo que se deduce de donde proviene el nombre, y sus muslos se ciñen con una tela. Este esclavo tiene un busto que muestra un ejemplar modelado, y sobre el cual se aprecian los rasgos de su poderosa anatomía. Además, tiene una pequeña fractura en la barriga, que actualmente es de origen desconocido.
-El joven esclavo: Este se representa con las rodillas levemente flexionadas, a través del cual percibimos cansancio al caminar. Su brazo izquierdo se levanta por encima del hombro mientras que el derecho se desliza hacia abajo por la cadera. Estea escultura, que también parece querer escapar del bloque de mármol que no está acabado y que presenta diferentes grados de terminado. Por ejemplo, la cabeza apenas está tallada, el pecho se define mejor en el lado izquierdo que en el derecho e incluso hay en partes en las cuales se aprecian las marcas de los instrumentos con los que Miguel Ángel realizó la obra.
Todas estas esculturas son un claro ejemplo de la técnica de Miguel Ángel "non finito" en la cual las formas, que no están ejecutadas perfectamente, alcanzan de igual modo una maestría de alto grado, haciendo percibir al espectador que las esculturas desean abandonar la piedra para convertirse en puro arte.
jueves, 1 de marzo de 2012
El David de Miguel Ángel
El David, realizado por Miguel Ángel Buenarroti entre 1501 y 1504, es una escultura realizada entera de mármol blanco que fue encargada por la Opera del Duomo de la Catedral de Santa María del Fiore de Florencia.
Esta obra es una de las obras más célebres de este genial autor, cumbre de la escultura renacentista.
Actualmente se puede visitar en la Galeria de la Academia, que está en Florencia.
En su día fue considerada también como símbolo de la grandeza de la república de Florencia.
Cuando se terminó estuvo situada durante varios siglos frente al Palazzo Vecchio, al aire libre, pero, en el siglo XIX fue retirada de la intemperie y en su lugar se situó una copia que actualmente adorna la plaza de la Signoria.
La escultura es una representación del David bíblico a punto de enfrentarse a Goliat, para comenzar la batalla entre los Israelíes y los Filisteos, y finalmente vencerla, incluso teniendo todas las de perder.
Mide algo más de 5 metros de altura, y, por algunos críticos artísticos es considerado como el objeto más bello creado por el hombre. El David se trata de un estudio perfecto de la anatomía humana, y de la belleza masculina juvenil, ya que esto, la belleza, era uno de los ideales de Miguel Ángel.
Los especialistas consideran esta escultura perfecta en el sentido de las proporciones humanas, exceptuando pequeños detalles como una de las manos (debido a que se construyó con un pedazo de marmol ya tallado) y la cabeza, pero mantiene el equilibrio corporal total, siendo por ello mucho más preciada.
Los especialistas consideran esta escultura perfecta en el sentido de las proporciones humanas, exceptuando pequeños detalles como una de las manos (debido a que se construyó con un pedazo de marmol ya tallado) y la cabeza, pero mantiene el equilibrio corporal total, siendo por ello mucho más preciada.
Hay que fijarse bien en la tensión de la musculatura, propia del momento previo a la lucha y en las venas hinchadas que se notan en el blanco marmol de Carrara. Tambien podemos deducir su actitud luchadora y expectante a través de su mirada, enormemente penetrante. En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se convierte en pura tensión corporal.
Además, para que la tensión no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel Ángel emplea el contrapposto y aumenta los volúmenes de ciertas partes del cuerpo, que vienen a simbolizar la fortaleza del rey David.
Tales rasgos se pueden ver, por ejemplo, en el tamaño de la mano derecha, que sujeta la piedra, con la cual David derrotará a Goliat.
Todo esto nos conduce a pensar en un concepto muy utilizado por Miguel Ángel en varias obras: el concepto de Terribilitá. Gracias a todo esto la figura se convierteen un símbolo de la libertad, y representan a la perfección los ideales renacentistas de belleza masculina.
Existen ciertas curiosidades acerca de esta obra:
-La proporción de su cabeza es demasiado grande con respecto al cuerpo, ya que las proporciones son 1/8 del cuerpo, mientras que normalmente, la proporción perfecta es 1/10 del tamaño total del cuerpo. Esta proporción se debe a que El David estaba preparado para situarse a cierta altura, por lo que la visión cambia, dando a parecer que la cabeza está en proporción. Sin embargo, al no ser esto así finalmente, se quedó desproporcionada.
-La escultura fue dañada por un vándalo, estropeando uno de sus pies. Además estudios posteriores del mármol han concluido que este era un material mediocre y que pudo haberle salido gratis al escultor.
-También en el año 1527, el brazo izquierdo del David se rompió y más tarde en 1542 se reconstruyó con la mayor parte de los pedazos de mármol rotos.
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